Category: искусство

Category was added automatically. Read all entries about "искусство".

СТАРООБРЯДЦЫ ПАКИСТАНА И АФРИКАНСКОЙ СТРАНЫ УГАНДЫ. ФОТО...


СТАРООБРЯДЦЫ УГАНДЫ (АФРИКА)
У старообрядцев африканской страны Уганды есть сильный трепет перед Священным Писанием. Даже в обычной жизни стараются отказаться от каких-то остатков язычества. Обязательно платят церковную десятину, правда, чаще всего продуктами – кто-то приносит связку бананов, кто-то плоды хлебного дерева и т.д. Один из членов общины, местный умелец, писал безвозмездно иконы и фрески для храма в пригороде Кампалы.































ДЕНЬ РОЖДЕНИЯ ХУДОЖНИКА АЙВАЗОВСКОГО


Брат армянского историка и архиепископа Армянской Апостольской Церкви Габриэла Айвазовского.
В 1840 году, после многолетних раздумий, Иван и его старший брат Габриэл решили поменять фамилию на Айвазовский. Они решили сделать фамилию более благозвучной и писать ее по-русски Айвазовский, а по-армянски — Айвазян. До этого во всех документах фигурировала фамилия Гайвазовские.

Оганес Айвазовский родился 17 июля 1817 года в семье Рипсиме Айвазовских (29 июля по старому календарю). Священник Армянской церкви Феодосии зарегистрировал, что родился «Ованес, сын Горга Айвазяна». Предками Айвазовского Галичины были армяне, эмигрировавшие из Галичины XVII века из Западной Армении . Известно, что его родственники владели большими земельными участками под Львовом . Однако ни одного документа, более точно подтверждающего происхождение Айвазовского, не сохранилось. Даже после того, как его отец переехал в Феодосию, он продолжал писать свою фамилию по-польски - «Гайвазовский». Сам Айвазовский в автобиографии о своем отце пишет , что подростком переехал из Галиции к властям Дуная ( Молдова , Валахия ) из-за ссоры с братьями , где занимался торговлей. Оттуда он позже переехал в Феодосию. Горг или Константин Хайвазовский знал несколько языков, в том числе армянский , турецкий , польский , румынский и цыганский.

Айвазовский увлекался историей и археологией, и сам много раз принимал участие в раскопках и археологических изысканиях. Иногда он рисовал портреты, но только портреты своих друзей и близких. За его вклад в культуру император пожаловал живописцу пожизненное дворянское звание.

Не смотря на то, что Айвазовский писал и портреты, он больше прославился как художник изображавший море .  Проведя большую часть жизни у моря, Айвазовский был настолько влюблен в морские пейзажи, что на своих полотнах изображал в первую очередь их. Его захватывали виды бушующего моря, роскошных кораблей, морские сражения, которые он мог свободно изобразить по памяти.

Землю и камни Айвазовский писал грубыми щетинистыми кистями. Возможно, что он их специально подрезывал, чтобы жесткие концы щетины оставляли борозды на красочном слое. Краска в этих местах обычно положена плотным слоем. Как правило, Айвазовский почти всегда лессировал землю.

Однако, чтобы понять замысел великого художника, на его полотна нужно правильно смотреть. Айвазовский сам дал совершенно чёткие рекомендации: следует сперва искать на холсте самую яркую точку, «источник света», сфокусироваться на ней, а уже потом начинать скользить взглядом по холсту вокруг неё.

Самым дорогим произведением художника стал «Вид Константинополя и Босфора». В 2012 году  полотно продали более чем за 4 миллиона долларов. Айвазовский написал картину, как и многие другие свои шедевры, по памяти, спустя 10 лет после посещения Османской империи - нынешней Турции.

Перед самой смертью Айвазовский написал картину «Морской залив»; а в последний день жизни начал писать картину «Взрыв турецкого корабля», которая осталась незаконченной. В общей сложности за свою жизнь Айвазовский написал больше 6000 картин и устроил порядка 125 персональных выставок в России и за рубежом.








1 ИЮНЯ В САНКТ- ПЕТЕРБУРГЕ РОДИЛСЯ РЕЛИГИОЗНЫЙ РУССКИЙ ХУДОЖНИК ВАСИЛИЙ ПОЛЕНОВ


Выдающийся русский художник Василий Дмитриевич Поленов - фигура в русском искусстве в некотором роде загадочная. В историю искусства он вошел своим тихим, но очень сильным и проникновенным словом «поэта в живописи», открывшего интимный мир старинной русской усадьбы, тайну притягательной красоты национального пейзажа и «красочного величия» Востока. «Этот незаурядный русский человек, - писал о Поленове Федор Шаляпин, - как-то сумел распределить себя между российским озером с лилией и суровыми холмами Иерусалима, горячими песками азиатской пустыни. Его библейские сцены, его первосвященники, его Христос - как мог он совместить в своей душе это острое и красочное величие с тишиной простого русского озера с карасями? Не потому ли, впрочем, и над его тихими озерами веет дух божества?»

Однажды живя в Италии, Поленов получил от женщины из Питербурга письмо: " «Видела я твою картину "Воскресение дочери Иаира" . Хороша дочь, необыкновенно хороша, симпатична, и взгляд ее на Христа, этот мгновенный возврат от смерти в жизнь, выражен чудесно. Какой Христос благородный против других, так спокоен, движения так изящны. Совершенно согласна с мадам Бок, которая говорит: „Как видно, что эта картина написана человеком из хорошей семьи“. Весь тон картины благороден. Остальные мне не понравились, все пахнут русскими художниками (не в обиду будь сказано), даже хваленый Репин».

Поленовская картина исполнена элегического настроения, репинская – несравненно величественнее. У Поленова чудо воскрешения свершилось, Христос уже сотворил то, ради чего пришел. У Репина он только готовится свершить это чудо. И поэтому он так сосредоточен, спокоен, весь ушел в себя, напряг все свои внутренние силы, мощный свой дух.

И окружающие еще не поражены свершившимся чудом, они жаждут его, но мало еще верят в то, что оно свершится. Это сомнение, граничащее с неверием, – в лице и в позе старика-отца, а особенно женщины, стоящей у ног покойной.

К чести Поленова надо сказать, что он, написавший впоследствии много картин из жизни Христа, больше ни одного раза не покажет Христа, совершающего чудо. Ибо Христос был ему дорог именно как «Сын Человеческий», ему дорога была проповедь любви к людям, а не то, во что превратила Христа официальная Церковь… Не тогда ли он начал задумываться над тем, как, в сущности, далеко отошли права и нравы христиан, узаконенные церковью и обычаем, от учения Христа.

Из этого высочайшего учения любви создали узкое и жестокое притворное изуверство, называют его религиею Христа и под ее охраной в лице православия и католицизма творят самые возмутительные дела. Люди, называющие себя христианами, убивают, вешают, насилуют, лгут, развратничают, грабят и прикрываются самым нравственным, самым любвеобильным, самым чистым учением.

Толстой говорил о Поленове: ==" Да, Поленов красив, но бессодержателен, Христос у него – какой-то полотер...». Поленов не носил зипун, не пахал землю, он сохранил обычную свою наружность аристократа – аристократа не столько по рождению, сколько по духу. И Христос его все же не «полотер» – Толстой был слишком горяч в вынесении приговоров и часто даже противоречил сам себе. Не надо забывать, что Поленову для Христа позировали Левитан и Коровин. И впоследствии, когда Поленов закончил огромный цикл картин из жизни Христа (было это уже в 1909 году), Толстой с симпатией отозвался о его работе. Но для этого понадобилось более двадцати лет.

Поленов очень любил лето, а длинные июльские дни, когда берёза достигает полного листа, называл «центральными» в году. Именно в такой день, в глубоко преклонном возрасте, он и ушёл из жизни.

Художник скончался 18 июля 1927 года в возрасте 83 лет, в своей усадьбе и был похоронен на сельском кладбище в селе Бёхово на крутом берегу Оки, где он так часто любил рисовать этюды.










ФРАНСУА БУШЕ, САМЫЙ ЗНАМЕНИТЫЙ ЖИВОПИСЕЦ 18 ВЕКА

(Художник живший почти тремя веками позже Рубенса и умерший в тот же день 30 мая)



Франсуа Буше был французский живописец , рисовальщик и офорт, работавший в стиле рококо . Буше известен своими идиллическими и сладострастными картинами на классические темы, декоративные аллегории и пасторали.сцены. Он был, пожалуй, самым знаменитым живописцем и художником-декоратором 18 века.

В 1737 году , после открытия Салона в Париже, картины Буше получили широкую огласку. Он преуспел в рисунках и картинах обнаженной натуры, которые аристократы покупали для украшения своих спален.

Позировали художнику супруга и его дети. Его картины были встречены резкой критикой писателями и философами.

Буше также занимался декорированием , декорированием оперных и театральных залов и созданием макетов гобеленов .

Он украшал дворцы королевского дома в Версале , Фонтенбло и Чуази , разбогател, но продолжал рисовать. В 1765 году Буше был назначен художником при дворе короля Людовика XV.

Художник умер в 1770 году в возрасте 67 лет в своей мастерской в ​​Париже, когда занимался живописью. Франсуа Буше по собственному признанию черпал вдохновения с картин П.Рубенса и умер в тот же день, что и его вдохновитель.

Франсуа Буше был известен как художник, изображавший хорошеньких женщин.


























РЕЛИГИОЗНАЯ И СВЕТСКАЯ ЖИВОПИСЬ РУБЕНСА И ЕГО РОДОСЛОВНАЯ



РЕЛИГИОЗНАЯ ЖИВОПИСЬ РУБЕНСА
(Питер Пауль Рубенс 1577-1640)

Рубенс по справедливости называется фламандским Рафаэлем…
Какие богатые мысли!
Какое согласие в целом!
Какие живые краски, лица, платья!
(М. Карамзин)

Рубенс написал более 3.000 картин. Его уникальный и чрезвычайно популярный стиль барокко подчеркивал движение, цвет и чувственность, что соответствовало непосредственному драматическому художественному стилю, продвигаемому в эпоху Контрреформации. Рубенс был художником, создавшим алтари, портреты, пейзажи и исторические картины на мифологические и аллегорические сюжеты. Известный такими произведениями, как «Снятие с креста», «Охота на волка и лису», «Война и Мир», «Автопортрет с Еленой и Питером Полом » и «Сад любви» , стиль Рубенса сочетал в себе знания Классицизм эпохи Возрождения с пышной манерой письма и живым реализмом. Питер Пауль Рубенс известен своими изобретательными и динамичными картинами на религиозные и мифологические сюжеты, хотя он также писал портреты и пейзажи.


Питер Пауль Рубенс — величайший живописец в истории мирового искусства, одна из прекрасных жемчужин фламандской живописи. Художник принадлежит к числу самых блистательных фигур европейской культуры XVII века.

Главную роль в жизни Фландрии (Южных Нидерланд) играли католическая церковь, феодальное дворянство и высшее бюргерство — они же выступали основными заказчиками произведений искусства. Именно поэтому во фламандской живописи широкое распространение получили большеформатные картины, написанные для замков, городских домов знатных антверпенцев и величественные алтарные образы для католических церквей. Библейские сюжеты и мифологические сцены, роскошные портреты, натюрморты, сцены охоты — вот основные жанры этого искусства.

Питер Пауль Рубенс родился 28 июня 1577 вдали от родины предков — в немецком городке Зигене (Вестфален). Он был шестым ребенком в семье юриста Яна Рубенса и дочери антверпенского купца Марии Пейпелинкс.


В Германию семья была вынуждена перебраться еще в 1568 из-за сочувственного отношения Яна Рубенса к протестантству. Всей семье было разрешено переехать в маленький городок Зиген, где они прожили до самой смерти Яна Рубенса, который умер после продолжительной болезни в 1578 в возрасте пятидесяти семи лет и был погребен недалеко от дома. Только после этого Мария с детьми смогла вернуться в Антверпен.

Питер был нанят в пажи к вдове графа Филиппа де Лален — Маргарите де Линь. Это был весьма распространенный вид деятельности для юношей из небогатых, но знатных семей. Рубенс научился изысканным манерам и придворному этикету, а также очень скоро понял, что видит свое призвание в живописи. Однако молодому человеку понадобилось немало времени, чтобы убедить мать позволить ему получить профессию художника.

Художественному делу учился в Италии. В последние годы пребывания в Италии Рубенс получил крупный заказ на исполнение запрестольного образа для главного алтаря Кьеза Нуова. Через некоторое время после возвращения во Фландрию Рубенс, уже имевший славу выдающегося живописца, получил приглашение на службу от эрцгерцога Альберта и инфанты Изабеллы, правивших в то время во Фландрии от имени испанской короны. Чтобы художник согласился и не пожелал вернуться в Италию, куда могли привлечь высокие цены на его произведения, супружеская чета предложила ему ряд весьма заманчивых привилегий. Она послала Рубенсу золотую цепь, назначила его придворным живописцем, а также поставила перед ним очень хорошие условия — помимо фиксированной годовой оплаты, за каждую выполненную живописцем по их заказу работу обязалась выплачивать отдельное вознаграждение.

Первым крупным заказом, полученным Рубенсом в Антверпене, стала большая картина «Поклонение пастухов» (1608, Сант Паулускерк, Антверпен) для зала антверпенской ратуши. Это был дебют художника в родном городе. Как и многие его ранние произведения, полотно было отмечено сильным влиянием итальянского искусства.

Успех и славу лучшего живописца Антверпена Рубенсу принесло исполнение двух триптихов: «Воздвижение креста» (около 1610–1611, Собор Антверпена) и «Снятие с креста» (1611–1614, Собор Антверпена). Известно, что мастер задумал композицию первой картины еще в Италии, но реализовать смог только на родине. Как и в предыдущем произведении, в ней можно отметить итальянское влияние, выражающееся в предметной материальности и острой жизненной характерности.

Композиции Рубенса сильны и значительны. В них изображены два момента драмы, разыгравшейся на Голгофе. Каждый персонаж имеет свой неповторимый индивидуальный характер, наиболее полно раскрывающийся через взаимодействие с окружающей средой и другими фигурами. В центральной части «Воздвижения креста» руки Иисуса не расставлены широко в стороны, а вытянуты вверх над головой, Его лицо искажено приступом боли, пальцы плотно сжаты, а все мышцы тела напряжены. Усилия палачей, поднимающих крест, резкие ракурсы фигур, беспокойные блики света и тени сливаются в единый динамичный порыв, объединивший человека и природу. У верующих, смотрящих на эту картину, не должно было остаться ни малейшего сомнения в том, какую великую жертву принес Иисус ради них.

«Снятие с креста» имеет совершенно иное внутреннее звучание. Пластичное, грациозное, почти изящное тело Христа невесомо. Рубенс уподобляет Его прекрасному срезанному цветку. С неимоверным усилием близкие Христа стремятся удержать на весу Его безжизненное тело. Иисуса окружают мать, друзья, среди которых, на первом плане, «самая любящая и самая слабая из женщин, в хрупкости, фации и раскаянии которой воплотились все земные грехи, прощенные, отпущенные и теперь уже искупленные».

Композиционное построение достаточно лаконично. В нем нет изображения резких жестов, криков, мук, слез. Богоматерь сдерживает рыдания. Ее невыразимую скорбь живописец показал через сдержанный жест, заплаканное лицо и покрасневшие от слез глаза.

«Снятие с креста» относится, пожалуй, к самым убедительным произведениям Рубенса, потому что в его основе лежит личное со
переживание художника изображенному событию — скорби родных и близких об Умершем. В сюжете живописца привлекли человеческие переживания и страсти.

В отличие от «Поклонения пастухов», в триптихах очевидна широта таланта Рубенса, которая отразилась в силе обобщенности, масштабности образов, яркой зрелищности, соединенной с глубоким жизненным содержанием — именно таковы будут характерные черты всех последующих работ художника. С этого момента современники стали называть его «богом живописцев».

Героями картин Рубенса становились исключительно прекрасные как духовно, так и физически люди.

"Христос в терновом венце". Исключительная сила творческого потенциала мастера особенно четко выражена именно в этом полотне. Фигура Христа, уподобленная античной статуе, сохраняет напряженный дух, свойственный работам Рубенса. Вложив в картину всю остроту и выразительность, живописец добился удивительно гармоничного контраста ярко освященного тела Христа и темного фона полотна. Но выразительность картины достигнута не столько благодаря поразительным техническим приемам, сколько экспрессивному изображению трагичной центральной фигуры Христа.

Не известно, был ли Рубенс верующим. Как говорил один католический епископ: "Христос Рубенса с признаками разложения на кресте, ни когда не воскреснет. Святотатство творит, но очень уж хорошее!" Иллюстратор Священного Писания и безбожник в одном лице — таков Рубенс. некоторые его картины Церковь отвергла. Он подчас давал картины на религиозные темы в своей трактовке, от которой разило «ересью» с точки зрения католической ортодоксии. Известно, что за подобные «вольности» многие художники, в том числе Веронезе и Тинторетто, познакомились с инквизиционным трибуналом. С Рубенса же были все взятки гладки, и его алтарные триптихи-гиганты Церковь принимала с восторгом и благодарностью.

Есть мнение, что изображая Христа художником двигала не вера, а карьеризм. Между тем, вглядываясь в галерею созданных Рубенсом религиозных персонажей, трудно отделаться от мысли, что они слишком уж мирские. И мужчины, и женщины снабжены у него всеми до срамоты необходимыми атрибутами пола. Его широкобедрые Богородицы крепко стоят на ногах, им не грозит обморок от вида Сына на кресте или во гробе. Рубенс не скрывал своего отвращения к изображению всяческих ужасов и религиозных в том числе. Благодаря его дару религиозные сюжеты превращаются в сцены человеческой комедии, а всему сверхъестественному отводится возможно более скромная роль. Нам трудно судить, чем руководствовался антверпенский мастер, когда «дополнял» библейские сюжеты деталями, едва ли не оскорбительными для христианской морали. С умыслом или бессознательно, но он превращал святых в здоровяков, а Троицу представил в виде сцены семейного горя. Еще один наглядный пример — «Снятие со Креста» из антверпенского кафедрального собора, на котором нога Иисуса касается плеча Марии Магдалины.

То, что художник в 53 года взял в жены едва достигшую 16 летнего возраста племянницу покойной жены и обвенчался с нею в предрождественский пост, что Церковь не одобряла, тоже не говорит о большой вере.



КАРТИНЫ РУБЕНСА
(Тонкости живописи придворного художника)

Спасения можно искать в безднах и на вершинах. Спасаясь, становятся либо бунтарями, как Рембрандт, либо властолюбивыми эгоцентриками, как Рубенс.
(Р. Авермат)

Великий фламандский живописец еще при жизни снискал и славу и успех. Он жил в роскоши и был необычайно плодовит: Рубенс оставил после себя несметное множество полотен. Государи разных стран наперебой стремились заказать ему свой портрет и украсить сериями его полотен стены своих дворцов. Общаясь с сильными мира сего, Рубенс проявил себя еще и как блистательный дипломат, умело исполняющий волю своих повелителей.

Экономный расточитель, набожный святотатец, фламандский итальянец, католический стоик, не признававший закона противоречивости. Он пекся о внешней стороне своего бытия, о представительности, о показном блеске. Выстроил себе дворец, регулярно посещал церковь, принимал дворянские атрибуты, словно, чтобы стать рыцарем, достаточно нацепить шпагу, носил черное платье придворного вельможи…

Разумеется, у него имеется свой подход к изображению людей. Рубенс много рисовал нагих мужчин и женщин. Мужчины у него всегда крепко сложены, даже великомученики, которых выделяет разве что большая бледность. Они широкоплечи, подтянуты, у них красивые развитые руки и ноги. Напротив, женщины у Рубенса отличаются крайней рыхлостью форм. Базовым элементом женской фигуры является круг. Действительно, округлые линии живота, бедер и ножных икр подтверждают это правило. Та же округлость, казалось бы, должна восторжествовать и в линиях груди, однако здесь она как бы отступает, оборачиваясь тремя «академическими» складками, нависающими над животом. Создается впечатление, что при работе над женской фигурой Рубенс раз и навсегда запретил себе использовать угол. Там, где он уже готов появиться — в жесте, повороте колена, движении лодыжки или плеча — художник спешит его смазать, затушевать, прикрыть очередной складкой, ямочкой, плавным изгибом. У рубенсовских героинь нет величественной стати . Женщина у Рубенса олицетворяет нежность и мягкость, она обволакивает, она утешает, она оплакивает или воздевает очи к небесам...

Писать портреты Рубенс не любил никогда. Если он и соглашался писать портрет, то моделью ему служил непременно какой-нибудь крупный вельможа, каждый из которых затем заказывал ему большое полотно. . С бедняками художник не работал.

Вместе с тем, работая над сюжетным полотном, Рубенс предоставлял ученикам обязанность трудиться над пейзажем и прочими листиками, а сам предпочитал писать лица. В чем тут дело? В том, что на самом деле ему нравилось писать людей или в том, что он считал лица важнейшим средством выразительности всей картины? Еще в Риме он проводил долгие часы, заполняя свои альбомы набросками античных бюстов и статуй, составляя себе на будущее целую портретную галерею. О том, какой интерес вызывали у него человеческие лица, можно судить по количеству выполненных этюдов, занимающих значительную часть его графического наследия. Наконец, чем объяснить, что он посвятил сразу несколько работ изображению своей дальней родственницы, будущей невестки и будущей теще своего сына Альберта Сусанне Фоурмен? Первый из ее портретов датирован 1620 годом, и за ним последовало еще шесть. Итак, приходится признать, что он охотно писал портреты людей, вызывавших у него симпатию, и заставлял себя упрашивать, когда речь шла о просто «клиентах».

По счастью, изображения лиц, не являющихся историческими персонажами, рождались целиком его воображением. Удовольствие, с каким он над ними работал, сегодня стало и нашим удовольствием. Его женщины красивы непреходящей красотой, потому что в их лицах нет отпечатка «моды», в соответствии с которой художники иногда пишут красоту такой, какой она «нравится современникам». Рубенсовские женщины прелестны и сегодня, а особое очарование придает им стиль «бэль эпок», подразумевающий тонкие черты лица, слегка вздернутый нос, золотистую легкую прическу, выписанную волосок к волоску и напоминающую о прекрасной Изольде, обольстившей короля Марка. Достаточно беглого взгляда на одну из них, чтобы признать в картине руку Рубенса. От локонов, украшавших его богинь итальянского периода, он отказался и отдал свое предпочтение пышному беспорядку, венчающему голову Венеры или Марии Магдалины. Даже собирая в строгий пучок каштановые волосы Богоматери, он оставляет на свободе хоть несколько прядей, а то и вовсе позволяет им обильными волнами рассыпаться по плечам. У его женщин маленький чувственный рот, их губы слегка приоткрыты в немного наивном удивлении, а их уголки трогает шаловливая улыбка, вызывающая в памяти образ Изабеллы Брант. Он пишет их с нежностью, но при этом абсолютно не интересуется их внутренним миром.

Вполне очевидно, что единственным существом, способным мыслить, страдать, желать и чувствовать, остается у него мужчина. Вот откуда такое многообразие мужских лиц, с точностью, не имеющей ничего общего с карикатурой, выражающих восхищение и уважение, ужас и жестокость, смирение последнего часа и недоверчивость перед грядущим… Отдаваясь на волю своего таланта рисовальщика, Рубенс подмечает тончайшие нюансы настроения, обусловленные контекстом сюжета и ролью, отводимой тому или иному персонажу. Иногда на помощь взгляду приходит жест. Иногда мастеру хватает наклона головы, улыбки, наморщенной брови, опущенного или, напротив, чуть приподнятого века, чтобы вдохнуть в персонаж чувство. Он любил «густонаселенные» полотна, и места для широкой жестикуляции у каждого из участников картины оставалось мало. Вот почему движения изображаемых им фигур направлены на главное действие сюжета, будь то бичевание или воздвижение креста, поклонение или молитва… Основная смысловая нагрузка ложится на руки, которые могут быть широко распахнуты или подняты под влиянием ужаса или изумления. Так спутник святого Франциска закрывает себе глаза правой рукой, словно прячась от слепящего Божественного света, так один из волхвов, все тело которого скрыто под широким золототканым плащом, прижимает руку к сердцу. Безжизненно и бессильно свисают вдоль мертвого тела руки Христа в антверпенской «Троице». Впрочем, главным средством выразительности, передающим целую гамму чувств и переживаний, остаются все-таки лица, освещенные вертикальным или боковым светом, источник которого далеко не всегда поддается объяснению, что не снижает производимого эффекта.

При написании портретов Рубенс говорил: "Мужчин и женщин я пишу так, как они любят: вначале красота, а потом уже внешнее сходство"! Он любил рисовать нагих мужчин, женщин и детей, украшая пышные тела ямочками.

Работы художника не производят мрачного впечатления, не отталкивают и, как заметил один из современников, «в этом ужасе есть что-то восхитительное». Писал Рубенс главным образом для развлечения высокопоставленных зрителей и знатных горожан.

Что касается пейзажей, художник изображал их не выходя на улицу, Рубенс создавал свои пейзажи в помещении. Лишь отталкиваясь от натурных зарисовок, он давал полную волю своему воображению, доверяя прежде всего своему чувству перспективы.

Международную славу художнику принесли картины серии королевы Марии Медичи. Исторический цикл «Жизнь Марии Медичи» (1622–1625, Лувр, Париж) является исключительным. Сохраняя достоверность в изображении героев, обстановки и костюмов, Рубенс обогатил композиции многочисленными аллегорическими и мифологическими персонажами.

Художник был дважды женат. Впервые женился в 32 года на 18 летней богатой, но очень скромной красавице Изабеллы Брант. Она ему родила троих детей, Клару (умерла в 12 лет), Альберта и Николаса. Брак был счастливым, но продлился 16 лет и в возрасте тридцати четырех лет, вероятно, во время эпидемии чумы, скоропостижно скончалась его горячо любимая супруга .

Уже в 53 летнем возрасте Рубенс вступил в брак с шестнадцати летней ослепительно прекрасной Еленой Фоурмен, племянницей своей первой супруги. Последние десять лет жизни оказались самыми счастливыми для него: в семье родились пятеро детей, двое младших ушли в монастырь и приняли монашество.

Со стороны чета Рубенсов вовсе не производила впечатления довольной друг другом пары. И виновата в этом была не одна только разница в возрасте . Великий человек, без памяти влюбленный в тело жены, и молодая женщина, согласная терпеть эту любовь и купаться в золоте и мехах и извлекать от богатого мужа немалую выгоду… Разумеется, чувства, которые они питали друг к другу, не отличались взаимностью.

Рубенс любил Елену до самозабвения. Он не пытался скрывать свою страсть, как не скрывал и причины этой страсти. Он с наслаждением писал Елену обнаженной. Но выражение ее лица, запечатленное на разных картинах, ясно говорит о том, что в костюме великосветской дамы она нравилась себе гораздо больше, чем в природном наряде богини.

В качестве свадебных подарков дочь обойщика и любителя изящных искусств Даниеля Фоурмена получила пять золотых цепей, в том числе две украшенные бриллиантами и одну — черно-белой эмалью, три нитки жемчуга, бриллиантовое колье, бриллиантовые серьги, золотой якорь, усыпанный бриллиантами, еще один крупный бриллиант, привезенный из Англии .

Творчество мастера в этот период перешло в высшую фазу своего развития. Его восприятие мира еще более углубилось, композиции приобрели сдержанный и спокойный характер. Рубенс практически полностью обратился к изображению народной жизни, писал портреты своих близких и друзей, пейзажи окрестностей замка. В отличие от русских художников, Рубенс был очень богат и мог позволить многое и при этом всегда красиво себя держал и был украшением любого общества.

Молодая жена так вдохновила уже не молодого художника , что в его картинах всё больше и больше звучали интимные нотки...




КАК УМЕР ХУДОЖНИК РУБЕНС И РОДОСЛОВНАЯ ХУДОЖНИКА

27 мая 1640 года, успев продиктовать последнее завещание, он впал в забытье. Медики Лазар Марки и Антонио Спиноза попытались отворить больному вену. Слух о том, что Рубенс при смерти, быстро разнесся по городу. Для последнего причащения к умирающему вызвали кюре прихода святого Иакова, и тот явился к дому в сопровождении четырехтысячной толпы горожан. На вопрос близких о посмертной часовне Рубенс отвечал, что «если его вдова, совершеннолетний сын и опекуны младших детей сочтут, что он достоин такого памятника, то пусть соорудят часовню, но никаких распоряжений с его стороны не будет; если же они примут такое решение, то пусть повесят в ней картину с изображением Пресвятой Девы с Младенцем Иисусом на руках в окружении сонма святых и установят мраморную статую Пресвятой Девы».

31 мая Жербье писал из Брюсселя: «Господин Питер Рубенс смертельно болен. Лучшие городские лекари пробуют на нем свои таланты». На самом деле Рубенс умер еще накануне: сердце больного не выдержало, и в полдень он отошел, держа в своих руках руки сына Альберта и супруги Елены.

Похороны состоялись через два дня. Перед гробом шли священники [церкви святого Иакова] и кафедральный капитул; за ними следовали представители нищенствующих орденов в живописном рубище. Слева и справа от них шестьдесят сирот несли каждый по зажженному факелу. За телом покойного шли родственники великого человека, члены магистратуры, академии живописи, знатные горожане, купцы и богатые буржуа. На всем пути следования кортежа с обеих сторон от него бесконечной толпой стояли жители города». Траурная процессия поднялась вдоль канала Ваппер, затем свернула направо, пересекла площадь Мэйр, где Рубенс жил в детстве, затем двинулась по узенькой улочке, упиравшейся в квадратную ребристую башню под черной крышей церкви святого Иакова. Из портала церкви, распахнутого навстречу знойному дню последнего лета, веяло прохладой. «Внутри церкви хоры от самых сводов до полу были обтянуты черным бархатом, таким же бархатом убрали алтарь. В центре огороженного пространства стоял кенотаф. Все время, пока шла месса, играли музыканты собора Нотр-Дам, и звуки музыки сопровождали пение погребальных псалмов и чтение “Deus irae”. Затем гроб опустили в фамильный склеп Фоурменов».

В тот же день поминальную трапезу по покойному справили в четырех местах: у него дома, в городской ратуше, в Обществе романистов и в гильдии святого Луки. В течение шести недель в церквах города заупокой его души служили ежедневную мессу. 150 служб отстояла братия собора Нотр-Дам, 100 — августинцы, доминиканцы, капуцины, францисканцы и босоногие кармелиты, 50 — беггарды и монахи-францисканцы. 15 раз служили мессу в императорской часовне, 25 раз в Элевейте, 10 в Мехельне.

Никто из детей не пожелал унаследовать мастерскую на Ваппере. Замены Рубенсу не нашлось ни в числе его учеников, ни среди других антверпенских и вообще нидерландских художников.

Рубенс, следует ли его считать фламандским художником? Историки и искусствоведы на его родине приложили немало усилий, чтобы «привязать» его к этой стране . В его творчестве черпали вдохновение художники самых разных стран, конечно, по-своему преломляя его. Сам же он говорил: «Моя родина — целый мир». В сущности, это же его качество подчеркивал и Делакруа, когда заявлял: «Величие Рубенса в том, что он стал маяком, давшим свет множеству блестящих школ». Рубенс превратился для художников в символ свободного искусства, воспевающего чувство, неподвластное разуму.

Рубенс после смерти никогда не исчезал из памяти потомков. Его превозносили или ругали, но его знали все. Пикассо его откровенно ненавидел, что, впрочем, не мешало ему вести на эту тему беседы с торговцем Канвейлером: «Талант, конечно, но талант бесполезный, ибо употреблен во зло. …»

Больше, чем своей стране, Рубенс принадлежит всемирной истории. Что касается границ политических и художественных, то начиная с ранней юности они не казались ему барьером. Италия, Франция, Испания, с одной стороны, античная история и культура, с другой, манили его новизной и щедро делились с ним своим опытом. Не мысля себе жизни без искусства, он не мог жить и одним искусством. Его занимало все — гуманизм, античная литература, архитектура, естественные науки, общественная деятельность. Он вырвался за рамки своего времени, подобно тому, как пространство в его композициях рвется за пределы рамы, ограничивающей картину. При этом в своей человеческой ипостаси он, конечно, оставался фламандцем — любил порядок во всем, в женщине превыше всего ценил послушную жену и хорошую мать, верил в мудрость точных наук, отдавал должное дружескому застолью и веселой шутке и всем сердцем был привязан к родному Антверпену . Населяя свои картины мужчинами и женщинами, создавая пейзажи и портреты, он меньше всего стремился к воссозданию точной копии жизни и быта .




РОДСТВЕННИКИ РУБЕНСА

Мария Пейпелинкс (1538–1608) — мать Рубенса.

Ян Рубенс (1530–1587) — отец художника, адвокат, получил степень доктора права в Риме в 1554 г. В 1561 г. женился на Марии Пейпелинкс.

Ян Баптист Рубенс (1562–1601) — стерший брат Рубенса; предполагают, что он был художником, жил в Италии. После 1601 г. о нем ничего не известно.

Бландина Рубенс (1564–1606) — старшая сестра художника.

Филипп Рубенс (1574–1611) — брат Рубенса, известный ученый, филолог.

Изабелла Брант (1591–1626) — первая жена Рубенса, дочь Яна Бранта, юриста и доктора филологии.

Клара Рубенс - дочь (умерла в 12 лет)

Альберт Рубенс (1614–1657) - сын. Он поступил на государственную службу в Брюсселе и приобрел известность как знаток античности. 3 января 1641 года Альберт женился на Кларе дель Монте, которая имела испанское происхождение, и поселился в Брюсселе. Их единственный сын Альберт (у них было также три дочери: Изабель, Констанция и Клэр) умер в сентябре 1656 года в результате укуса бешеной собаки. Его родители так и не оправились от потери. Альберт умер 1 октября 1657 г., а Клара - 25 ноября. Оба были похоронены в семейной часовне Рубенса в церкви Св. Иакова в Антверпене .

Николос Рубенс(1618–1655) - сын женился на Констанции Хельман (1609–1678) в 1640 году у них было трое детей: Альберт, Ян и Терезия (род которой вымер).

Хелена Фурман (11 апреля 1614 - 15 июля 1673) - вторая жена Рубенса

Клара-Иоанна Рубенс - старшая дочь от второго брака, крестилась 18 января 1632 г .: вышла замуж за Парижского рыцаря Филиппа.

Францис Рубенс - сын, крещён 12 июля 1633 годаженился в 1659 году на Сузанне-Грациане Чарлес.
От этого брака родился внук художника Александр Рубенс, лорд Времендик .

Изабелла-Елена Рубенс -(дочь) крестилась 3 мая 1635 г.

Петр Пауль Рубенс - сын крестился 1 марта 1637 г., рукоположен в священники.

Констанция-Альбертина Рубенс, крещенная 3 февраля 1641 г., приняла постриг монашества в аббатстве Ла-Камбр в 1668 г.

После смерти Рубенса Хелена начала отношения с Жаном-Батистом де Броуховеном , асессором и олдерменом Антверпена, который позже стал 1-м графом Бергейком, а в 1645 году Елена и Жан-Баптист поженились. Ее второй муж, военный рыцарь Сен-Жака, умер во время дипломатической операции. миссия в Тулузе в 1681 году.

У Хелены от второго брака родилось ещё 6 детей : Жан, Геоцинт, Николай, Катрин, Мария и Элен. Старший сын стал бароном, второй сын шпионом, а пятый ребёнок (Мария) , в монастырь ушла монахиней.

У старшего сына Хелены (от второго брака ) родился сын барон Николас-Жозеф де Броуховен, род которого живёт и сегодня.
Среди множества потомков ее внука, третьего графа Бергейка, мы находим Луи де Брушовен де Бергейк и его правнучку Стефани, потомственную великую герцогиню Люксембурга .



























ДЕНЬ ПАМЯТИ ФЛАМАНДСКОГО ХУДОЖНИКА РУБЕНСА.


" Я простой человек, стоящий один со своими старыми кистями и просящий у Бога вдохновения." (П.Рубенс)


Рубенс считается одним из самых плодовитых художников периода барокко , сегодня он является одним из самых известных и любимых европейских художников. Его картины отличаются роскошным стилем, подчеркивая фактуру, движение, яркие цвета и чувственность. Он известен своими картинами как часть искусства Контрреформации , включая портреты , росписи церковных алтарей, пейзажи и картины на исторические, мифологические и аллегорические темы . Помимо работы в качестве директора большой и успешной студии в Антверпене , картины которой пользуются популярностью у знати и коллекционеров произведений искусства по всей Европе, Рубенс также был гуманистом с классическим образованием, коллекционером произведений искусства и дипломатом , которого оба посвятили в рыцари.


Религия играла видную роль во многих его работах, и позже он стал одним из лидеров католических и контрреформационных течений в живописи.


В 1630 году, через четыре года после смерти первой жены, художник женился в возрасте 53 лет на 16-летней Хелен Форман. Елена была источником вдохновения для фигур из плоти и крови на многих картинах 17 века, в том числе «Банкет Венеры», «Три грации» и «Решение Парижа». В последней из них, заказанной испанскому двору, обозреватели того периода отождествили жену художника с фигурой Венеры. В ее интимном портрете «Елена Форман в меховой мантии» Рубенс, похоже, частично основал портрет своей жены на классических скульптурах обнаженной Венеры, таких как Афродита Книдская или Венера Медичи.



"Я по натуре и склонностям мирный человек, заклятый враг споров, судебных процессов и ссор, как общественных, так и частных. "(П.Рубенс)

В 1635 году Рубенс купил особняк под Антверпеном под названием «Хет Стан» («камень») и проводил там большую часть своего времени.



Рубенс умер в возрасте 63 лет от подагры и был похоронен в церкви Святого Иакова в Антверпене. Из двух своих жен у Рубенса было восемь детей, трое от Изабеллы и пятеро от Хелен; Младший родился через восемь месяцев после его смерти.



" Я еще не был склонен вести безбрачный образ жизни ... Я взял молодую жену из честной, но принадлежащей к среднему достатку семьи, хотя все пытались убедить меня заключить брак по придворному закону. Но я боялся гордости, этого врожденного порока благородства, особенно этого пола, и поэтому выбрал того, кто не краснеет, чтобы увидеть, как я беру кисти в руки. И, честно говоря, мне было бы тяжело променять бесценное сокровище свободы на объятия старухи." (П.Рубенс)


Обнаруженный недавно картина «Избиение младенцев» , изображающая массовое убийство невинных в Новом Завете был продан канадскому лорда Томсона на аукционе Сотбис по 10 июля 2002 года , за £ 49,5 млн. На момент написания (2007 Это самая высокая сумма, уплаченная за досовременную живопись. В настоящее время картина выставлена в Художественной галерее Онтарио в Торонто.

ВОПРОСЫ И ОТВЕТЫ

==Почему Питер Пауль Рубенс был таким плодовитым?

--Мастерство Рубенса в организации сложных групп фигур в композиции, его способность работать в больших масштабах, его легкость в изображении разнообразных предметов, его личное красноречие и обаяние - все это способствовало его успеху.



==Какие характерные черты творчества Питера Пауля Рубенса?

— Всё художество Рубенса окрашено смелыми, бойкими мазками , что говорит о его страсти и подчеркивает драму в каждом из его работ . Несмотря на этот стиль, Рубенс все же уделял внимание деталям, когда это было необходимо.



==Какой национальности был Рубенс?

— Рубенс был представителем фламандского народа.

==Как Рубенс использовал масляную живопись?

--Рубенс обычно использовал нейтрально-серую полутоновую имприматуру над землей, поверх которой создавался нижний рисунок из более раннего наброска маслом или этюда, использованного в качестве модели. Менее насыщенные цвета затем использовались для проявления мертвой окраски, на которую он добавлял ключевые блики и яркости.



==Как писал Питер Пауль Рубенс?

--Питер Пауль Рубенс смог вдохнуть новую жизнь в смягченные формы маньеристской живописи и, объединив фламандский реализм с итальянским классицизмом, создать мощный и яркий стиль, который стал характерной чертой искусства барокко Северной Европы.

==Что буквально означает барокко?


--Барокко пришло в английский язык от французского слова, означающего «неправильной формы». Сначала это слово во французском языке использовалось в основном для обозначения жемчуга. В конце концов, это привело к описанию экстравагантного стиля искусства, характеризующегося изогнутыми линиями, позолотой и золотом.


==Какая работа Рубенса самая знаменитая?

--Высадка в Марселе - одна из самых известных картин Питера Пауля Рубенса из цикла Марии Медичи, состоящего из двадцати четырех картин .



==На каких языках говорил Рубенс?

--Рубенс писал на пяти (сосчитайте, пять!) Языках : итальянском, фламандском, французском , латыни, английском.

ФЕЛИКС ЗИМ - ФРАНЦУЗСКИЙ АЙВАЗОВСКИЙ



Феликс Зим был французским художником, известным своими светлыми изображениями водных путей в Венеции, Стамбуле и Константинополе. Работы Зима часто сравнивали с работами художников Барбизонской школы, а также с картинами Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера.

Зим написал более 10.000 картин. Сын портного стал самым богатым художником Франции 19 века. Рисовал только для коммерции и продавал самым богатым людям Италии, Франции, России и Америки. Его картины покупал князь Трубецкой.
Прожил 90 лет, впервые женился в 83 года!
Зим - первый художник чьи картины при жизни купил Лувр.











ВИЛЬГЕЛЬМ КАРЛИС ПУРВИТИС

(Певец красоты своей родины и снежный мастер Европы)



Вильгельм Карлис Пурвитис— латышский художник-пейзажист. Один из основоположников современной латвийской живописи. Основатель Латвийской академии художеств и её ректор с 1919 по 1934 год.

Учился в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Петербурге у Архипа Куинджи (1890—1895). Присвоенно звание классного художника 3 степени (1895), звание художника (1897) за картину «При последних лучах» .




В. Пурвитис выразительно изображает драму столкновения зимы и весны. Густые «Родниковые воды» выражают радость весенней победы. В этих работах принцип обобщения уже полностью разработан, а детализация опущена .

Окончил училище с большой золотой медалью, затем путешествовал по Европе. С 1898 по 1901 год выставлялся в Берлине, Мюнхене, Париже и Лионе, картины имели успех у публики и художественной критики.



В 1900 году он получил бронзовую медаль на Всемирной выставке в Париже за картину «Последние лучи» , а годом позже большую золотую медаль за картины «Мартинское солнце» и «Северная ночь» . Эти пейзажи - своеобразный и страстный гимн снегу и весне. С тех пор художника называют лучшим «снежным мастером» Европы.

В 1901 году в Мюнхене на отмеченной золотой медалью картине «Мартовский вечер» изображена снежная зима в Латвии, тающий снег и чистое небо . Решения Пурвитиса на темы ранней весны и зимы сильны и величественны, художник прекрасно чувствует торжественность и ожидания этого сезона .



С 1901 года жил в Риге. В 1902 году совершил путешествие в Норвегию, Исландию и на Шпицберген, где изучал особенности зрительного восприятия снега. С 1895 по 1910 год входил в объединение «Мир искусства». С 1906 по 1909 год жил в Эстонии, в 1917—1919 — в Норвегии.

С самого начала Пурвитис разработал собственный стиль, близкий как к импрессионизму, так и к северному модерну. Ему особенно удавались весенние и зимние пейзажи. В последние годы он много занимался графикой.



С 1909 по 1915 год Пурвитис был директором Рижского городского художественного училища, а с 1919 года — ректором созданной Академии художеств. В Академии у него была пейзажная мастерская, которой он руководил до 1941 года. Одновременно с 1919 по 1940 и с 1941 по 1944 год являлся директором Рижского государственного художественного музея.

Если в начале тридцатых годов искусство В. Пурвитиса солнечно, динамично « Цветущий яблоневый сад »,« Берег Даугавы » , то в конце тридцатых его картины мрачны и выражают безнадежность. Когда сороковые годы сменяются гитлеровской оккупацией ... здоровье художника стремительно ухудшается . В 1944 году немецкие оккупанты
отступили и разрушили Елгаву, где находились лучшие пейзажи Пурвитиса.




Его картины увезены были в Германию из Рижского художественного музея. Как писалось в годы СССР, художник никогда не собирался покидать родину, но не он мог бы пожертвовать картины, он их сам увозит.

Современная история звучит иначе, в 1944 году, опасаясь ареста советскими войсками, Пурвитис эмигрировал в Германию. Умер 14 января 1945 года в Бад-Наухайме, где находился на лечении.



В 1994 году прах художника был перезахоронен в Риге на Лесном кладбище.

Немецкий художник Вильгельм Лейбель



ВИЛЬГЕЛЬМ ЛЕЙБЛЬ
(автор "Трёх женщин в храме")

В XIX веке мир европейского искусства захлестнул романтизм, оказавший сильнейшее влияние и на художников Германии. И это не удивительно, ведь романтизм апеллировал к ярким, мистическим, иногда сказочным образам, конкурировать с которыми «обыденным» сюжетам было сложно. Но в рядах романтиков появился живописец Вильгельм Лейбль (Wilhelm Leibl, 1844-1900), который стал ярчайшим представителем немецкого реализма.

Вильгельм Лейбль родился в 1844 году в Кельне. Он был седьмым ребёнком уже 60 летнего своего отца. Его отец был руководителем хоровой капеллы Кельнского собора. В начале творческого пути Вильгельм учился живописи у Германна Беккера, а затем продолжил образование в Мюнхенской Академии изобразительных искусств, где брал уроки у ведущих мастеров живописи того времени.



МАТЬ

Внешний вид Лейби был простым , больше напоминал лесничего или администратора, чем художника, каким общественность обычно представляет себе такого человека. Чуть выше среднего роста, широкоплечий, с чрезвычайно развитыми мускулами, он уже в юности побеждал сильнейших мужчин в борьбе и поднятии тяжестей. Его нервная система была необычайно твердая и способная выдержать большие нагрузки, а при необходимости - лишения и утомительную работу. Он был, как почти все сильные люди, добродушным и спокойным характером и позволял себе пройти через суету большого города.


Лейбль пробовал себя в жанре портрета и вскоре осознал, что именно портретной живописи посвятит свое дальнейшее творчество. В своей мюнхенской мастерской Вильгельм встречался с молодыми именитыми художниками. Среди них был и уже состоявшийся к тому времени французский живописец Гюстав Курбе, внимание которого привлекло полотно «Портрет госпожи Гедон».


Очень живое изображение молодой девушки с точным вниманием к деталям и без прикрас отразило реалистические принципы творчества Лейбла. И Курбе, которого называли завершителем романтизма и основателем реализма, заметил в молодом художнике потенциал. Благодаря ему Лейбль в будущем познакомился с Эдуардом Мане. Лейбла привлекали поля Баварии, труд крестьян, свет и открытые пространства. В историю вошли его сельские сюжеты и портреты простых людей. «Неподходящая пара», «Сбережения на чёрный день», «В крестьянской горнице» - на этих полотнах изображены обыденные моменты жизни сельчан, в которых нет ни утонченной красоты, ни романтической символики.



Персонажей его картин нельзя назвать идеальными и сложно – красивыми. Будучи реалистом, Лейбль подчеркивает социальное положение этих людей выразительными деталями. Грубоватые лица, простая одежда, незамысловатая утварь – все говорит о том, что на картинах изображены люди низкого сословия. Но среди его работ есть и портреты людей более высокого ранга, например, «Художник на охоте». Эта одно из поздних полотен, где Лейбль начинает тяготеть к импрессионизму. Но он не уходит в него полностью и остается верен реалистической традиции.



Руководящим принципом художником было не то, чтобы его модели были красивыми, но чтобы они были «хорошо восприняты». Художник был мастер не столько по рисованию, сколько по видению ситуации, он умел видеть.



Вильгельм Лейбль умел привлекать к себе внимание. Вокруг него даже образовался кружок живописцев, которые разделяли его взгляды. Среди молодых почитателей-реалистов был и Генрих Трюбнер, который, как и Лейбль , в своем позднем творчестве перешел к импрессионизму. Много сделав для немецкой реалистической живописи, Вильгельм Лейбль перешагнул этот этап европейской истории искусства, став одним из основоположников импрессионизма и модерна.



ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ: Лейбль свои картины всегда начинал рисовать с глаз людей, он считал, что глаза в человеке самое главное и потом уже вокруг глаз создавал всю другую картину.




ПОЧЕМУ ЖЕ ЛЕЙБЛЬ БЫЛ ТАК ПОПУЛЯРЕН В ГЕРМАНИИ?
Удивительно то, что живопись в Германии развивалась в течении длительного периода и была очень оригинальной. И Дюрер и Халдемс имели мировое художественное значение. Но вскоре немецкая живопись исчезла и уступила место итальянской, французской и голландской живописи. А потом в Германии был период войн до начала 19 века и было не до живописи. Процветание Германии ещё до Первой Мировой войны было уничтожено, огромная масса дворянства и буржуазии голодали, а крестьянин грыз лапоть от голода. В такой ситуации не было места художникам чьи работы принадлежали к самым дорогим предметам роскоши, о приобретении которых могут думать только те люди, которые владеют гораздо большим, чем те, кто удовлетворяется в жизни самым необходимым. В немецких талантах, конечно, никогда не было недостатка , но в стране, где не покупают произведения искусства и не делают заказы, талантов не может быть в принципе. Каким бы большим талантом не обладал бы немец конца 19 века в художественном искусстве, он не имел возможностей в Германии развиваться и не был востребован.


Но небольшая потребность в художественном искусстве у немцев была всегда. Были маленькие дворы немецких принцев, которые хотели свои дворы украшать картинами . Но в Германии не было мастера-художника, кто бы мог это сделать. Даже потом, после многолетнего упадка, рисовать в Германии было непросто. Был потерян наработанный художественный опыт. Не было учителей. Надо было всё начинать заново.



В это тяжёлая время и появляется одна из самых ярких звёзд на художественном немецком небосклоне, Вильгельм Лейбль. Он работал честно, был не богат и не заботился о материальных вещах. А так как престарелые родители ему помогать не могли, он должен был заботится о хлебе и не отказывался даже от самого маленького заработка и потому рисовал бедняков. Фотоаппаратов не было и он предлагал себя в дома перед похоронами, чтобы на полотне на память родственникам запечатлить портрет усопшего человека. Он рисовал покойников портреты и продавал за небольшие деньги в семью покойного.Такой рисунок требовал большой тонкой психологии и ответственности и по отношению к убитым горем людям и по отношению к своему искусству. И это была не сиюминутная халтурка-подработка, а занятия на целых 13 лет, чтобы крепко встать на ноги как художник.



У него ни когда не было благоприятных условий, даже когда уже был известным и ценился как самый реалистичный художник Германии. Он всегда снимал студию и работал самыми дешёвыми и необходимыми для художника инструментами. Студии были маленькие и он не мог нарисовать большое полотно, хоть попытки были, но закончились тем, что он разрезал свою картину.


В то время, когда его бывшие коллеги уже продавали все картины на мольберте за большие деньги арт-дилерам и любителям, а новички получали разумные цены за свои неуклюжие достижения, ему почти приходилось торговать своими шедеврами за жалкие монетки . Настоящих ценителей художественного искусства в Германии было крайне мало. Люди хотели видеть Венецианский колорит, пышные костюмы, блеск оружия и дворцы, а Лейбль показывает современность немецкой бедноты и рисует то, что видит и от чего люди устали в этой жизни. Люди не понимали и не покупали его картин. Когда он предлагал картины перекупщикам , они отвечали: "Твой товар нежизнеспособный и ни кому не нужный".



Лейбл всегда проводил лето в деревне, где он находил более характерные и живописные этюды в кривых фигурах и выразительных лицах крестьян, чем в городском населении . Левен все еще прост и естественен для сельского населения и люди принадлежат той земле, на которой они выросли такие же простые. Первые годы предпочел Лейбл Дахау, местечко недалеко от Мюнхена, жители которого до сих носили очень оригинальные костюмы. В деревне он любил охоту, рыбалку и греблю на лодке.



Не найдя понимания в Германии, картины немецкого художника имели популярность в Париже. Один художник Франции сказал своим ученикам: "Если наши художники не умеют рисовать, пусть поедут в Германию и посмотрят картины Лейбла" Французы стали покупать немецкие картины.
Теперь перекупщики Мюнхена наконец поняли , какими близорукими они были, какими неуклюжими, что они не скупили все у этого художника. Теперь перекупщики обратились к художнику продать им картины и предлагали не малые деньги, но художник ответил: «Мне больше не нужны ваши деньги! Теперь я могу работать несколько лет без забот, а потом, наверное, снова что-нибудь найду. Вы платили мне как поденщику более десяти лет, давая самые низкие цены за лучшие работы, а французы купили плохие мои работы за более высокую плату. Больше вы не будете вести своё дело с моими картинами и я больше не заблужусь! »




ПОЧЕМУ "ТРИ ЖЕНЩИНЫ В ХРАМЕ" СЧИТАЕТСЯ ШЕДЕВРОМ ХУДОЖНИКА?
Уже известным художником он пишет "Три женщины в храме" .На этой картины изображены три крестьянки, молящиеся в церкви. И это, наверное, самая совершенная вещь, которую он создал. Головы, руки и одежда одна истина и красота в рисунке и высочайшее техническое мастерство живописи. Выражение молящейся женщины непревзойденно; здесь не видно позирования! Это преданность крестьянок не лицемерно, это правда насквозь! И эту картину опять же высоко признали не немцы, а парижане и счастье то, что нашёлся немецкий барон и предложил за картину 20.000 марок , чтобы она осталась в Германии. Картина названа немецким шедевром 19 века.
Художник ведет нас в угол деревенской церкви Байер, и на ней три крестьянские женщины, две старухи и молодая девушка. Все настолько естественно, что Вы даже замечаете пыль на стыках старых скамеек.
Ткань на груди молодой девушки и от грубых рабочих рук до тона беленой церковной стены, из которой так чудесно выделяется голова одной из старушек. А сколько воздуха и света, ломаного, бледного полумрака и тусклого яркого дневного света! Но даже если современные люди научатся такому же масткрству- есть одна вещь, которой они не могут научиться, если она не дана им в такой богатой мере, как Лейби: чувствовать и позволять чувствовать. Он рисовал не только тела и их одежды , но и души троих с простотой и искусством, с правдой и верностью, которые далеко затмевают даже многие религиозные образы иконописцев на иконах.



О художнике говорили: "Он всегда рисует очень злых людей, но в спокойном состоянии".

Художнику было 56 лет, когда он почувствовал большую одышку и обратился к доктору. У художника была водянка. Болезнь оказалась внезапной и смертельной. Вся Европа оплакивала художника.



Его художественное стремление никогда не было направлено на признание в большом мире, на медали и титулы, и у него всегда была простая жизнь среди простых, рассеянных людей. У него ни когда не было врагов. Он жил только своей работой, своим искусством, и его амбиции были ограничены. Точно так же, как Лейби не позволял себе впадать в депрессию в годы самых болезненных финансовых бедствий, когда он все еще полностью игнорировался публикой и писателями-искусствоведами, так и в дни буйных успехов он оставался без тщеславия и высокомерия.



У Лейби не было большого художественного таланта, он имел мало воображения, он не был рождён для того, чтобы создавать великие композиции, но он обладал острой наблюдательностью, техническими и колористическим художественным талантом, этого не было ни в одном из его современников.



Его живопись не гениальна, ни эффектна, ни пикантна, ни анекдотична, но никогда не бывает обычна и равнодушна. Может потому, что он вот такой, ни как все, многие не знают его творчества, а может и не слышали его имени.



Вильгельм Лейбль занимает почетное место среди лучших произведений искусства 19 века.

ТРИ ЖЕНЩИНЫ В ЦЕРКВИ (1881)



ТРИ ЖЕНЩИНЫ В ЦЕРКВИ (1881)
Картина художника из Кёльна Вильгельма Лейбла.
Картина маслом на дереве красного дерева размером 113 x 77 см

Вильгельм Лейбл был немецким художником- реалистом , который писал в основном портреты и сцены из жизни крестьян, а сам по профессии был учеником слесаря.

На картине изображены три поколения немецких крестьян, сидящих вместе на скамье в деревенской церкви в Берблинге близ Бад-Айблинга , Бавария. Лейбл покинул свою прежнюю базу в Мюнхене, чтобы жить среди сельских жителей и вести записи их повседневной жизни. Эта работа последовала за серией таких картин и стала кульминацией его творческой карьеры, на завершение которой ушло около трех с половиной лет.

Три женщины, изображенные на картине, были смоделированы местными жителями, а роспись выполнена на месте в церкви. Это реальные три женщины, которые позировали художнику и реально молились в храме во время работы художника над картиной.

Женщин наняли позировать и хорошо им заплатили.
Анна Стабер, женщина справа на фото, и Мария Бухнер, посередине, родом из Берблинга.
Женщина, молящаяся слева, - Мария Фогл, приехала из Митрахинга близ Бад-Айблинга.
Молодая горничная Анна Стабер была слишком больна, чтобы работать в поле, не могла ходить на сельские работы и иметь средства на пропитание, и поэтому была выбрана позировать за плату.

Проблема возникла, когда пастор церкви умер в 1878 году вскоре после того, как началась работа над картиной, и его заместитель отказал Лейблю в разрешении на продолжение. Только вмешательство Луитпольда , принца-регента Баварии, преодолело трудности. Лейблу также приходилось решать проблему детализации женских черт и одежды в его реалистичном стиле в мраке деревенской церкви и с проблемами перспективы, что означало, что женские руки были сделаны непропорционально большими.

В целом композиция и реалистичное изображение уже впечатлили его современников, в том числе Винсента Ван Гога, который высоко оценил картину 38-летнего художника.

Художник писал: == «Сейчас я рисую девушку и двух старух, которые готовятся к исповеди и истово молятся. Каждая одета в мисбахский костюм, которые очень хорошо на них смотрятся, особенно на девушке. Я не помню, чтобы кто-нибудь писал таких людей. То, как я трудился над этой картиной, стоило мне больших усилий, но, по словам тех, кто видел её, она является лучшим из всего, написанного мною ранее»==

О картине писали газеты на выставке в Вене : ==«Настоящий шедевр здорового, энергичного, преувеличенного реализма»==

Художник продал картину семье Шен в Вормсе в 1883 году за 40 000 марок . В 1884 году картина выставлялась в Вене, Париже и Лондоне. Она находится на выставке в Гамбурге с 1906 года . Скамьи в стиле рококо и копия картины все еще находятся в церкви.

«Я всегда работал и жил в самых бедных условиях, и мне приходилось сдерживать гнев из-за того, что меня неправильно понимали, и я презирал мои взгляды» - говорил художник.

23 октября, День рождение немецкого художника родившегося в 1844 году. (1844 -1900 годы жизни)/



ЦЕРКОВЬ СВЯТОГО КРЕСТА В БЕРБЛИНГЕ (ГЕРМАНИЯ)
(Храм в котором художник Лейбл написал свой шедевр "Три женщины в храме" в 1881 году)

Церковь Святого Креста Берблинга впервые упоминается в 1315 году.
Нынешняя церковь была построена между 1751 и 1756 годами на месте предыдущего здания. Она была возведена аббатом Шайерна Плацидусом Форстером († 1767 г.), который хотел переехать в Берблинг. Он намеревался превратить церковь в место благодати и, таким образом, Берблинг превратить в место паломничества.




Роспись главного алтаря с изображением распятия Христа является копией алтаря из монастырской церкви Св. Квирина в Тегернзее , где был написан в 1691 году Иоганном Карлом Лотом , но не сохранился.

Примерно в 1900 году в вестибюле церкви был построен грот Лурдес с Мадонной из мюнхенской Mayer'schen Hofkunstanstalt . Рядом с гротом висит копия картины « Три женщины в церкви» , которую Вильгельм Лейбл написал, когда жил в Берблинге с 1878 по 1881 год.
ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ, ЧТО ДЛЯ ЭТОЙ КАРТИНЫ ТРИ ЖЕНЩИНЫ ПРИХОДИЛИ В ХРАМ И ПОЗИРОВАЛИ НА ПРОТЯЖЕНИИ ТРЁХ ЛЕТ! До сих пор в храме сохранились те же скамьи, что и на картине.

Еще в первой четверти XVIII века Берблингенская церковь получила из монастыря Шайерн частицу Святого Креста, взятую из реликвария Святого Креста Шайерна. Частица Берлингера находится в вырезанном из серебра реликварии , который частично позолочен и богато украшен орнаментом из листьев. Два ангела над ступенчатой ​​ногой держат крест, окруженный нимбом, в центре которого находится медальон с деревом креста. Реликварий, который, вероятно, был изготовлен около 1722 года мюнхенским ювелиром Феликсом Планнером († 1738 г.), имеет высоту около 50 см.



Если говорить о городе Брейблинг, то он по сей день в значительной степени сохранил свой деревенский характер. Берблинг впервые был упомянут в 804 году как «Percwillinga» ( Бергвиллинг ), когда архиепископ Зальцбургский Арно от имени императора Карла Великого вручил Берблингерскую церковь аббату Кимзее Лютфриду..